Honk314 Februari 2016 06.21. Bagus min Mikasa ;) Balas. Hapus. Balasan. Balas. Aldian 18 Februari 2016 15.02. Keren. Mimin Buat tutor baru min. Cara buat background manga di tol sai paint. Gambar1. Pixel Art Tutorial - Pencil Tool Pada prosesnya kamu juga akan membutuhkan ' Erase Tool ', jadi klik di atasnya (atau tekan 'E') dan ubah pengaturannya menjadi mode ' Pencil ' sehingga tidak menjadi anti-alias sebagai kuas. Gambar 2. Pixel Art Tutorial - Erase Tool Mulailah membuat gambar pixel: alis dan mata, misalnya seperti ini. Banyakprogram editing gambar memungkinkan Anda untuk mengkonversi gambar warna menjadi hitam dan putih, atau grayscale. Proses ini akan menghapus semua informasi warna, hanya menyisakan luminance dari setiap pixel. MENGGAMBARANIME/MANGA DIGITAL MENGGUNAKAN MOUSE [PART II] kali ini kita akan mewarnai gambar yang telah saya gambar di part sebelumnya ( disini ). ya.. kali ini kita akan mewarnai gambar itu. 1. WARNA DASAR Tahap pertama dalam mewarnai yakni warna dasar. 2022Jan 10 - Explore Evelyn's board "Cara menggambar dan shading" on Pinterest. See more ideas about cara menggambar, sketsa, tutorial gambar anime. Buatlayer baru, layer 1 untuk gambar hasil scan dan layer 2 untuk tracing gambar. Jiplak gambar yang sudah kamu buat dengan menggunakan brush. Tipis-tipis saja, yang penting garisnya terlihat dan mempermudah kamu saat mewarnai nantinya. Tahap tracing bisa kamu lewatkan jika langsung membuat sketsa digital. Step 6 - Mulai Menggambar dan Mewarnai 6Situs Penyedia Gambar Terlengkap dan Tanpa Bayar! 11. PencilApp adalah salah satu aplikasi menggambar terbaik di PC. Aplikasi ini tampil dengan desain sederhana. Aplikasi ini mempunyai kemampuan membuat sketsa dengan cara yang mudah. Bagi yang nggak suka ribet, aplikasi ini cocok untuk kamu. Yuk, download PencilApp 12. Padabagian tersebut anda akan bermain dengan shading kulit dari sebuah foto. Hal ini tentunya membutuhkan waktu yang lama dengan teknik shading Photoshop yang cukup sulit. Tapi dengan mencoba saya yakin anda pasti bisa. 6. Membuat Gambar Vector Wajah Portrait cResau. Finished Illustration in Corel Painter 2019 Image credit Windows Central Source Windows Central Image credit Source Windows CentralLike any traditional drawing medium, digital illustrations and styles can vary greatly between each artist. Some prefer the look of soft blends, while others are content with the hard-edged comic book aesthetic of cel-shading. Even still, others fall somewhere in between. Because there are so many variables in how to shade, we're going to trim down to the basics getting started...I'll be using Corel Painter 2019 for my painting software, but any other Windows PC drawing app with layer functionality should work just as well. You'll also need a digital drawing device, either a tablet or pen display unless you are confident drawing with a you cel shade, soft shade, or find a happy medium with both methods, the most important step is planning where the light sources will be in your illustration. To help visualize where your light sources are, try adding a new layer and draw arrows pointing in the direction your light will be the arrows are on their own layer, you can toggle the visibility on or off. The points of your illustration closest to the light source are your highlights, and typically your shadow will be the opposite. However, it is important to remember that light can bounce around and reflect even to the shadowy side of your to cel shadeCel shading, or 'toon shading,' is a common illustration technique for shading comics, animations, and even some video games. The shadows and highlights in an image are simplified down to a couple of colors and blocks for emphasis with cel-shading. It also happens to be one of the easiest ways to practice adding shading to your images; it forces you to think about light placement in your scene, so your highlights and shadows have the most your painting software. I'll be using Corel Painter 2019, but the process is similar regardless of your software a new, blank canvas. You can use the menu by clicking File, then New, or keyboard commands CTRL + N to open a canvas. Your canvas settings are entirely up to you. I like to work large, so I'll be choosing 5000x5000 pixels at Windows Central Image credit Source Windows CentralChoose your preferred brush. I'll be using the Thick & Thin Windows Central Image credit Source Windows CentralCreate a new layer. This can be done from the Layers drop down on the menu bar, or pressing CTRL+SHIFT+N on your Windows Central Image credit Source Windows CentralCreate the line art for your illustration. Start with a simple sketch, and then continue refining your lines until your image looks the way you Windows Central Image credit Source Windows CentralAdd a new layer, making sure to place it under the line art layers.Add your flat color blocks. The best practice is to separate colors of different elements in your image onto different Windows Central Image credit Source Windows CentralTime to add another a complimentary cool color for your Windows Central Image credit Source Windows CentralConsider the location of your lighting Windows Central Image credit Source Windows CentralUse your brush tool to add your cool color to shaded areas. While thinking about where your lighting will hit your subject, lay down your cool color on the opposite areas darkened by shadow. If your light is coming from the left, for example, your shadows will fall more on the your shadow layer's blend mode to multiply. The multiply blend mode adjusts the way that shadow color blends with the colors underneath Windows CentralMultiply layer palette drop down corel painter 2019 Image credit Windows CentralLayer palette in corel painter 2019 Image credit Windows CentralAdjust your shadow layer's opacity. Lowering the shadow layer's opacity allows more of the layers below it to be more visible. More opaque layers lead to darker, more dramatic a highlight by repeating the previous steps with a warm Windows Central Image credit Source Windows CentralAdding highlights is a similar process to adding shadows but with a few minor changes. We're going to add a new layer, choose a complimentary warm color, and add it to the points where the light will hit the subject directly. Instead of setting our layer blend mode to Multiply, we're going to choose Screen from the like before, we're going to adjust the opacity until we're satisfied. Sometimes it may be beneficial to add additional white hot spots to really set a highlight off. However, try not to overdo it as you could end up making your image's surface look shiny or wet with too many. If you're looking for the hard-line cel shading look, you can stop after your to blend for soft shadingIf you're looking for a more realistic render for your digital illustration, you may want to choose soft shading over cel. In addition to the increased realism that soft shading offers, it also gives you a little more freedom to play with lighting and how it affects the subjects in your we're going for a more painterly look, I'm going to choose various acrylic and glazing brush tools. The tools you have available will vary with your software choice and your personal preference for your painting software and a new, blank your preferred Windows Central Image credit Source Windows CentralAdd your line Windows Central Image credit Source Windows CentralAdd a new a complimentary cool in your shadow color much like you would with cel Windows Central Image credit Source Windows CentralUsing the Mixing Palette, add your flat color and shadow colors side by side and blend them together with the palette knife Windows Central Image credit Source Windows CentralUse the color picker tool to pick up the color mixed from your flat and shadow its own layer, Add the blend color, partially overlapping the flat color and shadow Windows Central Image credit Source Windows CentralSelect your preferred blend tool from the brush tool Windows Central Image credit Source Windows CentralUse the blender brush to create a soft gradient from the flat to the shadow these steps with a complimentary warm color to create highlights. Like with cel shading, however, you'll want to set your layer mode to screen instead of Windows Central Image credit Source Windows CentralSoft shading typically results in a smoothly blended gradient that contrasts to the hard edges of cel shading. This lends itself to a more realistic and painterly illustration and adds some extra freedom for playing with the way light interacts with the subject you've painted. Despite the differences between the two shading styles, it's not uncommon for digital artists to use both in the same your wayWhile both techniques will get you started shading your digital illustrations, neither is the definitive way to go about it. They're merely foundations for you to build your own creative style with. Everything from the brushes you use to how many layers you add to get the right amount of shadow can change your finished piece. Be brave and make bold beauty of digital art is the ability to change your direction as you see fit, so try out neon green for a shadow or that bright orange highlight. If you're dissatisfied, changing it as simple as using a flood fill to recolor your shadow or highlight layers. I didn't touch on color theory in this article, but having a basic grasp of how colors work with one another and their effect on lighting and shading can be one of the most effective methods for improving your are plenty of artists out there who can create beautiful illustrations with Microsoft Paint and a standard mouse. I, personally, am not that kind of artist. If you find you're not that kind of artist either, you might want to consider adding a good pen display and drawing software to your artistic toolbox. Pen Display XP-Pen Artist Pro Pen Display Budget-friendly drawing tabletIf you're transitioning from traditional to digital art, training yourself to draw on a digitizer while looking elsewhere at a separate screen can prove difficult. Using a built-in pen display gives you the freedom to put your pen directly on your workspace. XP-Pen's Artist Pro display is one of the most affordable drawing monitors on the market, but it comes packed with a lot of bells and whistles of its higher-end competitors. Additional EquipmentWhile technique can get you a long way with traditional art regardless of tools, digital art success requires the right toolset. I've mentioned before that some artists can draw solely with their computer's standard USB mouse or even their laptop's trackpad. These devices, however, do not offer pressure sensitivity or tilt functionality the way a drawing tablet or pen display drawing input device itself that you may prefer can vary widely. The market has really expanded as of late to offer something for everyone. The most important aspect is having a pen with pressure sensitivity. Tilt support is a nice bonus, as it comes to drawing software, the situation is pretty similar. The type of software you're going to want to choose is going to be dependent on the type of artwork you're looking to create, as well as your budget. Some programs are better suited to blurring the lines between traditional and digital art, while others are geared toward animation and painter 2021 Image credit AmazonCorel Painter 2021 $430 at AmazonThere are plenty of options for digital drawing software, but my personal favorite is Corel Painter. Corel Painter's workspace is well suited to artists who paint both traditionally and digitally. Corel's creative software still allows users to purchase a license to own the software, so you can continue to use it indefinitely if you purchase Medium Pen Tablet Image credit AmazonXencelabs Medium Pen Tablet $360 at AmazonThere's a lot to be said about the simplicity of a drawing tablet. They come in a variety of sizes, but the concept is all the same. Drawing tablets without a display are often more budget-friendly and even occasionally portable. The new tablets from Xencelabs, while on the higher end of the price scale, offer the functionality of a premium product that is well designed without the bulk of adding an extra monitor. All the latest news, reviews, and guides for Windows and Xbox diehards. Cole is the resident Call of Duty know-it-all and indie game enthusiast for Windows Central. She's a lifelong artist with two decades of experience in digital painting, and she will happily talk your ear off about budget pen displays. Download Article Download Article If you want your line drawings to pop off the page and simulate a three-dimensional look, add value and shading to your drawing. Shading adds depth, contrast, and helps direct the viewer’s eyes to the focal point of your art. After you choose a method for shading, you can start in your drawing and bring it to life! 1 Start with hatching for a basic shading technique. Hatching is making a series of parallel lines to simulate shadows in your drawing.[1] You can space the lines closer together to make darker shadows or the lines can be spaced further apart to make the area seem brighter. Pull hatching lines in one long stroke to keep them uniform.[2] Hatching lines can be horizontal, vertical, or at an angle. Follow the angles and curves of objects with the shapes of your line to simulate a three-dimensional form. For example, shade a round object with curved lines rather than straight lines. 2 Use cross-hatching to shade quickly. Cross-hatching builds onto hatch marks by adding a second layer of lines going at an opposite direction.[3] For example, first, make parallel horizontal lines and then layer vertical lines on top of them. This method of shading allows you to make areas darker quicker than basic hatching.[4] Draw the cross-hatching lines close together to make a densely shaded area on your drawing or spread them apart to make it lighter. Use hatch marks without a second layer to make a lighter shadow. Advertisement 3 Work with stippling for a stylized look. Stippling is a time-intensive process of lifting your pencil up and down from the paper to make a series of dots on your drawing. Make an area of your drawing darker by keeping the dots close to one another.[5] Instead of dots make short lines that overlap to make shading in a more Impressionist style. Stippling works great for shading with a thicker marker. 4 Use blending for a smooth appearance. Blending your shading gives your drawing a smooth and realistic finish and requires the most time and technique to do correctly. Shade with the side of a soft graphite pencil and increase the amount of pressure you apply to the paper to make transitions between light and dark values.[6] [7] Art pencils have varying degrees of hardness and are labeled with a number and either the letter B or H. Soft graphite is labeled with the letter B and gets softer with a higher number. Hard graphite is labeled with the letter H and is more difficult to use for smooth transitions the higher the number goes. A standard number 2 pencil has an HB hardness, which is a medium between hard and soft graphite. Practice shading on simple polygon forms, like cubes and spheres before jumping in to shade your drawing. Advertisement 1 Determine the direction of your light source. Your light source will determine where the darkest shadows and the brightest highlights appear on your drawing. Shadows will be on the opposite side of your light source while highlights will appear where your light source is pointing.[8] Work from real life or a photograph to understand how light affects the object you’re drawing. Move lights if you can to play with different shadow angles. People looking at your drawing will be drawn to the lightest areas of the drawing. Determine the area that you want viewers to focus on and make it the brightest. 2 Make a value scale from light to dark on a separate piece of paper. Draw a long rectangle and separate it with lines into 10 equal pieces. Shade the square on one side of the rectangle with your darkest value. Start to add value to the adjacent square so it is lighter than the darkest value. Work on each square, making them progressively lighter, until you reach the other end of the rectangle. Leave the last square empty so that it is brightest value.[9] Only use the values in your scale as you shade in your drawing. Use the same type of paper your drawing is on. Different papers have different textures and affect how the shades look. Aim to have smooth transitions between each of the squares rather than having drastic changes in value. The square next to your lightest shade shouldn’t be too dark. 3 Apply light pressure with your pencil to create a base layer of shading. Use a soft pencil, like a 4B hardness, to create the middle shade.[10] Move your arm back and forth rather than your wrist to maintain a smooth range of motion.[11] Don’t press too hard with your pencil since it will make your marks more difficult to erase later on. 4 Darken the areas that are furthest from the light source. Press slightly harder with your pencil to make darker values on the opposite side of your light source. Build up layers of shading, working towards the darkest part of the drawing.[12] Your darkest shadow is called the core shadow. Rounded shapes will have reflected shadows on the opposite side of the light source. These shadows are lighter than the core shadow but darker than the highlights. 5 Erase areas that have bright highlights. The areas closest to your light source will be the brightest parts of your drawings. Work gently with your eraser to lighten the areas in layers to develop a smooth transition from light to dark.[13] Add white pencil or pastel to make solid white areas that pop. Use this sparingly so it isn’t too overwhelming. Certain materials will reflect light in different ways. Objects with metallic finishes will have a brighter highlight while objects with a matte finish will look duller. 6 Blend your marks with a smudge stick if you want a smooth finish. Mix your values together, working from the darkest part of your drawing to the lightest. Use the side of the smudge stick to make smooth transitions between different values.[14] Smudge sticks can be purchased at any art supply store or online. Don’t use your finger to blend values. Your finger gives you less control than a smudge stick and the oils from your skin could affect your drawing over time. 7 Add drop shadows for a realistic look. If you want your object to look three-dimensional, a drop shadow will make it look like your drawing exists in deeper space. Your drop shadow will mimic the shape of the object casting it. Determine the surface where the shadow would land, and use the side of your pencil to shade in the drop shadow.[15] Look at a photograph or a still-life to see how your light angle affects the drop shadow. The hardness of the edge of your drop shadow depends on the strength of your light source. Brighter lights will cause a harder edge while dim lights make the edges softer. Advertisement Add New Question Question How do I shade basic forms? Kelly Medford is an American painter based in Rome, Italy. She studied classical painting, drawing and printmaking both in the and in Italy. She works primarily en plein air on the streets of Rome, and also travels for private international collectors on commission. She founded Sketching Rome Tours in 2012 where she teaches sketchbook journaling to visitors of Rome. Kelly is a graduate of the Florence Academy of Art. Professional Artist Expert Answer Question What can I use to shade drawings? Kelly Medford is an American painter based in Rome, Italy. She studied classical painting, drawing and printmaking both in the and in Italy. She works primarily en plein air on the streets of Rome, and also travels for private international collectors on commission. She founded Sketching Rome Tours in 2012 where she teaches sketchbook journaling to visitors of Rome. Kelly is a graduate of the Florence Academy of Art. Professional Artist Expert Answer Question Is there a way to shade on drawing apps that don't use layers? This answer was written by one of our trained team of researchers who validated it for accuracy and comprehensiveness. wikiHow Staff Editor Staff Answer See more answers Ask a Question 200 characters left Include your email address to get a message when this question is answered. Submit Advertisement Video Start working on shading simple shapes like cones, cubes, cylinders, and spheres. These shapes are the building blocks of every other shape you’ll need to shade. Charcoal and graphite are the easiest media to work with if you’re trying to get a smooth blended finish. Pens, markers, and ink are best shaded with a form of hatching. Advertisement Things You’ll Need Paper Pencils with soft graphite HB or lower Eraser Smudge stick optional References About This Article Article SummaryXTo shade drawings, start by deciding where the light is coming from in your drawing so you know where the shadows and highlights will fall. Then, lightly shade in your entire drawing to create a base layer of shading. Next, go back and heavily shade the parts of your drawing that are hidden from the light so they're the darkest. Finally, erase the parts of your drawing that the light is directly shining on to create white highlights. To learn different shading techniques you can use, like cross-hatching, keep reading! Did this summary help you? Thanks to all authors for creating a page that has been read 876,842 times. Reader Success Stories "This article really helped me, it told me as much as I wanted to know. As an amateur 'artist' I've..." more Did this article help you? Digital painting adalah hal yang tricky. Kita mendapat software yang tepat dan kita dengan segera bisa mulai menggambar. Setiap tool, bahkan yang paling keren bisa kita miliki. Semua warna sudah tersedia, tidak perlu repot mencampur warna lagi. Jika kita sudah menguasai media tradisional dengan baik, hal itu tidak akan menjadi hal yang sulit, kita hanya perlu mencari tool favorit kita. Namun apabila kita adalah pemula dalam media tradisional dan digital, ini bisa menjadi mimpi buruk, namun ironisnya hal ini selalu menjadi impian semua orang langsung belajar media digital!Rumitnya Photoshop sebagai media digital painting sebenarnya justru diakibatkan oleh berbagai kemudahan yang ditawarkan, tersedia set brush, warna, penghapus dan Undo. Ketika kita memulai painting dan terlihat kurang bagus, kita akan mencari tools lain untuk membuatnya lebih baik. Begitu banyak tools yang tersedia! Kita mencoba semuanya satu satu dan berharap “keajaiban” terjadi. Keajaiban ini berarti kita telah membiarkan photoshop menggambar untuk kita dan kita tidak memiliki kontrol terhadap photoshop, namun bagi seorang pemula “keajaiban” ini masih terlihat lebih baik daripada apa yang mereka bisa saat ini. Hal ini mendorong mereka segera memulai painting dengan cukup mengandalkan photoshop dan berharap suatu saat menjadi masterpiece. Seorang digital painting artist profesional yang kita kagumi memang menggunakan photoshop untuk menghidupkan ide mereka, namun mereka menggunakannya sebagai tools bukan mesin pencipta art. Jadi apa bedanya? Profesional membayangkan sebuah efek dan membuat program melakukannya. Pemula menginginkan program melakukan sesuatu untuk mereka dan apabila mereka puas, mereka akan memakainya. Apakah opsi kedua terdengar familiar? Jika iya, teruskan baca. Dalam artikel ini, kita akan mengembangkan 10 aspek berbeda dalam alur kerja kita sehingga kita menjadi artist Photoshop yang memiliki pemahaman yang baik. Dengan 10 tips sederhana ini, kita akan mengerti kesalahan yang mungkin menghambat kemajuan kita selama ini. Catatan masalah yang dijelaskan di sini berlaku pada situasi di mana artist memperoleh hasil efek dengan “tidak sengaja” sementara mereka berharap painting yang realistik. Hal ini bukan sebuah ketidaksengajaan apabila kita merencakanannya. 1. Ukuran kanvas yang salah Memulai painting adalah hal yang sangat mudah. Mulailah dengan opsi File > New, atau bisa menggunakan pintas Control-N. Terlihat sangat mudah hingga sering diabaikan. Ada 3 masalah yang sering terjadi. 1. Canvas yang terlalu kecil. Apabila benda disusun oleh atom, maka painting disusun oleh pixel. Berapa sesungguhnya pixels yang kita butuhkan untuk menggambar yang detail? 200×200? 400×1000? 9999×9999? Kesalahan awal adalah menggunakan canvas seukuran montior yang kita gunakan, padahal kita tidak tahu seberapa besar resolusi yang digunakan orang-orang yang akan melihat artwork kita. Artwork di bawah ini dibuat dalam resolusi 1024×600 dan terlihat makin kecil pada ukuran monitor yang makin besar sampai dengan ukuran 1920×1200 gambar ke-5. Pada monitor terbesar, resolusi gambar akan pecah ketika diperbesar. Apabila gambar kita dilihat melalui smartphone, biasanya smartphone memiliki pixel yang dipadatkan dalam layar yang kecil. Akan terlihat perbedaan seperti di bawah ini Ukuran sama, resolusi beda Ukuran beda, resolusi sama. Apa artinya? Artwork yang telah kita buat seukuran monitor kita akan memiliki kemungkinan terlihat kecil pada monitor orang lain Hal lain yang perlu diperhatikan adalah detail. Dengan resolusi yang terlalu kecil kita akan kesulitan mengerjakan bagian dengan detil karena tidak ada pixel yang cukup tersedia. Salah satu triknya adalah ketika kita membuat painting obyek kecil dalam resolusi besar, ingatlah bahwa obyek yang tidak detail akan terlihat menarik dalam ukuran kecil/dilihat dari jauh akan menarik dan terlihat sebagai sebuah obyek yang terencana. Resolusi yang besar membuat kita bisa memperbesar tampilan hingga pada detil yang paling kecil. 2. Kanvas yang terlalu besar. Apakah ini artinya kita harus selalu menggunakan resolusi besar untuk mendapatkan keleluasaan? Secara teori memang benar demikian, namun pada prakteknya tidak selalu perlu dan bahkan tidak memungkinkan. Makin besar resolusi makin banyak pixels yang ada di dalam stroke yang kita gunakan dan makin berat komputer kita bekerja, apalagi jika kita menambahkan pressure levels dengan variable flow. Kita perlu sebuah komputer yang powerful agar resolusi besar bisa dikerjakan dengan nyaman. Resolusi yang besar akan mendapatkan detil yang sangat tinggi. Berlawanan dengan pemahaman seorang pemula, sebenarnya tidak semua painting harus detil. Bahkan saat kita mengerjakan painting realistik, kita bisa mengabaikan beberapa informasi dalam sebuah obyek dan tidak perlu membuatnya detail – apa yang kita lihat dalam kenyataan tidak akan pernah seperti foto. Saat kita menggunakan resolusi yang makin besar, kita akan tergoda untuk menambahkan beberapa detail di sana sini karena memang memungkinkan. Akan ada banyak level detail yang akan dikerjakan, namun kita akan banyak menggunakan satu tema brush atau elemen lain yang seragam dalam satu artwork. Jika kita ingin painting dalam waktu yang cepat, misalnya obyek dengan detail bulu, jangan menghabiskan waktu terlalu banyak untuk bagian hidung dan mata,- atau hal itu akan membuat painting terlihat tidak konsisten dan nampak tidak selesai. 3. Hasil akhir gambar kita yang terlalu besar Misalnya kita telah menemukan resolusi yang tepat untuk painting kita, perhatikan resolusi dari obyek yang kita buat. Mungkin kita perlu banyak pixel untuk membuat gambar kita detail, namun jarak yang jauh juga akan membantu gambar menjadi lebih detail. Seperti contoh di bawah ini Detail yang mungkin bisa mengganggu pada painting dengan resolusi tinggi….. … dengan resolusi yang tepat, kita bisa menyingkirkan “yang tidak detail” melalui ukuran obyek yang lebih kecil. Sebelum menyimpan hasil final gambar kita, kita akan me-resize-nya. Tidak ada ukuran pasti, sesuaikanlah dengan kebutuhan kita. Aturannya adalah makin banyak detail makin sedikit detail yang akan hilang apabila disimpan pada resolusi tinggi. Apabila gambar kita bergaya “sketchy” akan terlihat lebih bagus disimpan dalam versi yang lebih kecil. Untuk mempelajari hal ini kita bisa melihat resolusi yang digunakan artist-artist favorit kita ketika memposting karyanya. Satu hal lagi, saat meresize gambar kita, cek algoritma yang terbaik. Beberapa akan membuat gambar kita terlihat lebih tajam yang mungkin tidak kita inginkan. Gunakan resolusi untuk cetak Apabila kita menghendaki painting kita untuk dicetak sebagai poster, ukuran yang cukup ideal adalah dengan menggunakan ukuran yang tersedia di photoshop, A3 dengan resolusi 300dpi. Resolusi cukup detail dan masih bisa diperbesar saat dicetak. Komputer juga tidak mendapat beban yang terlalu besar ketika mengerjakannya dengan penggunaan layer yang bijaksana tentunya. 2. Memulai dengan background putih “Apa salahnya dengan dasar putih? Bukankah ini terlihat netral dan seperti kertas?” Masalah sebenarnya adalah karena tidak ada warna “netral”. Ketika dua warna bertemu maka akan muncul peran kedua warna satu sama lain. Putih + warna A, warna A akan nampak lebih “gelap”. Apapun tujuan kita, apabila kita menggunakan dasar putih maka kita akan cenderung menggunakan warna-warna yang lebih gelap. Mari kita lihat perbandingannya Derajat gelap yang sama terlihat relative lebih terang pada dasar yang berbeda. Pada media tradisional kita menggunakan dasar putih karena secara teknis lebih mudah untuk memberikan warna gelap pada dasar terang, namun tidak akan terjadi hal sama dengan media digital. Bahkan kita bisa memulai dengan warna dasar hitam dan itu adalah ide yang sama buruknya dengan menggunakan dasar putih. Warna paling netral adalah 50% gray 808080 Mengapa? Warna dasar mempengaruhi cara kita melihat warna lain. Pada dasar putih, warna gelap akan terlihat lebih gelap, dan kita akan sering menghindarinya. Sebaliknya dengan dasar hitam, warna terang akan cenderung kita hindari. Hasil pada kedua kasus tadi adalah gambar kita memiliki kontras yang lemah dan saat kita menambahkan warna lain pada background. Di bawah ini bisa kita lihat buktinya Gambar ini dibuat dengan dasar hitam, ketika akan menambahkan warna cerah terlihat sangat kontras. Artist yang telah berpengalaman biasanya menggunakan warna apa saja saat memulai painting dan membuat yang terbaik. Namun apabila kita merasa kurang percaya diri dengan teori warna, mulailah dengan warna-warna netral. 3. Hindari kontras yang terlalu kuat Mata kita mudah tertipu. Tentu saja, kadangkala persepsi kita tentang terang dan gelap akan terganggu oleh buruknya kualitas monitor kita. Jika kita menggunakan laptop, mungkin kita akan mendapati kontras yang berubah-ubah saat kita menggeser derajat layar kita. Bagaimana kita mencapai kontras yang sesuai apapun monitor yang kita gunakan? Sebagus apapun monitor kita, menatap terlalu lama pada monitor kerja kita akan membuat persepsi kita berubah. Jika kita merubah shadingnya pelan-pelan, kontras akan terlihat bagus karena lebih baik dari shading sebelumya. Obyek di bawah ini akan keliatan menarik …. dan kita menyadari sampai kita membandingkan dengan gambar yang lebih kontras. Siapa tahu, ketika kita bandingkan satu dan yang lainnya, persepsi kita terhadap kontrasnya mendadak berubah. Photoshop memiliki sebuah tools yang membantu dalam situasi seperti ini. Tool Levels dengan fitur histogramnya membantu menunjukkan berapa banyak shade yang kita miliki dalam artwork kita. Kita bisa membuka tool Levels pada opsi Image > Adjustments > Levels atau dengan jalan pintas Control-L. Bagaimana cara kerjanya? Lihat pada contoh berikut Hampir seimbang jumlah putih, hitam dan midtone Hanya warna hitam dan warna midtone gelap Hanya putih dan warna midtone terang Hanya hitam dan putih tanpa warna menengah sama sekali Can you read it from the histogram? Kita bisa merubah level dengan cara seperti di bawah ini, Kita akan mendaptkan bentuk histogram yang ideal untuk artwork kita. Histogram menunjukkan di mana banyak area midtones di artwork ktia dan juga apakah artwork kita kekurangan gelap dan area terang. Apapun yang kita lihat, itulah yang komputer katakan. Memang tidak ada resep sempurna untuk levels semua tergantung aspek konsep lighting artwork kita, namun apabila tidak ada sama sekali area gelap dan terang merupakan tanda bahwa artwork kita valuenya tidak bagus. Bandingkan ketika kita menggeser slider kontras berubah membaik, namuk blending painting kita jadi nampak tidak bagus karena sekarang gambar tersebut kekurangan midtones, namun hal itu tidak sulit untuk diperbaiki. Adakah cara untuk menggunakan shading dengan benar dari awal? Ada cara yang akan membantu waktu kerja kita, yaitu dengan menggunakan lebih sedikit shading warna gelap, terang, midtone dan satu warna dengan sedikit putih dan hitam. Untuk mulai mengerjakannya, sebelum memulai painting buatlah rencana pencahayaan dalam sebuah bola Gambar sebuah lingkaran dan blok dengan warna paling tua namun bukan warna hitam. Tambah midtone. Tambahkan shade yang lebih terang hindari warna putih. Tambah 2 midtone di antaranya. Tambahkan sedikit putih dan hitam. Kita bisa melihat letak masing-masing shading dalam histogram. Saat kita menggabungkannya kita bisa melihat apa yang terjadi pada bola tersebut. Gunakan bola ini sebagai swatches shading dan setelah itu kita bisa memulai blending. Jika kita blend bola tersebut kita akan mendapatkan histogram yang sempurna. Bandingkan kedua gambar ini, di mana satu gambar telah diubah kontrasnya dan memerlukan blending ulang. Dengan hanya menaikkan kontras tidak akan cukup membuat gambar kita memiliki shading yang sempurna karena semua area shading akan mengalami perubahan. 4. Brush yang terlalu ribet dan ukuran stroke yang besar. Kita sering berharap brush akan membantu kita menciptakan masterpiece dengan cepat sementara stroke yang kecil sangat menguji kesabaran kita. Saat kita bandingkan media tradisional dan digital kita akan melihat bagaimana media digital penuh dengan ribuan variasi brush, sementara media tradisional hanya menawarkan brush yang sama untuk kita gunakan. Di sinilah permasalahannya, dengan terbatasnya brush kita akan belajar mengendalikan brush tersebut. Artist pro lebih sering menggunakan brush simple dalam bekerja dan kemampuan mereka semakin meningkat dengan detail yang makin rumit. Brush yang kompleks akan membuat kita malas dan menghambat kita untuk mencapai sebuah hasil dari proses yang kita ciptakan dari penguasaan kita terhadap brush tersebut. Saat memulai digital painting, wajar sekali kita ingin belajar secepat mungkin, kita ingin hasil, sekarang! Custom Brush adalah jawaban untuk keinginan itu. Kita ingin painting bulu, tersedia brush bulu, banyak sekali brush custom tersedia untuk didownload. Custom Brush tidaklah buruk dan memang sangat berguna. Masalah terjadi ketika kita menjadikan custom brush sebagai “dasar kemampuan” kita. Sebenarnya, apa yang harus kita lakukan adalah mencoba memahami bahwa untuk menggambar bulu – misalnya kita tidak harus menggambar satu persatu helai. Kita belajar bahwa apa yang kita lihat tidak sesuai dengan juga belajar apa yang nampak dan ingin kita buat tidak seperti yang kita pikirkan. Tapi kita seringkali tidak melakukan itu, malahan kita menyerah setelah berusaha menyelesaikan 1 helai bulu dan segera mencari sustom brush bulu yang sesuai. Senang sekali akhirnya menemukan brush yang sesuai di internet, dan kita lanjutkan painting kita. Hal ini sangat mudah membuat ketagihan, dan ini membuat kita berhenti belajar sama sekali dan lebih memilih mengunduh semua trik selama memungkinkan. Nhah bandingkan dengan media tradisional, bagaimana mengatasi hal ini? Jawabannya sederhana – hal yang sama yang akan kita lakukan ketika tidak ada custom brush. Apabila kita ingin berkembang kita harus menghentikan kebiasaan seperti ini, singkirkan brush ribet dari koleksi kita. Bertahanlah dengan sedikit brush simple dan itu akan memberikan banyak pelajaran berharga. Janganlah mencari jalan pintas ketika kesulitan muncul. Gambar di atas tidak menggunakan custom brush. Menjadi terlalu besar. Kesalahan umum lain yang sering terjadi adalah ukuran stroke yang terlalu besar. Lagi-lagi karena ketidaksabaran menghadapi proses. Aturannya adalah 80% proses painting akan menyita 20% waktu yang kita gunakan. Artinya di mana kita mulai membuat skets, line art, bloking dan shading simpel, maka kita akan membutuhkan 80% waktu lagi untuk menyelesaikan seluruh pekerjaan kita. Jika kita telah melewati 2 jam sketching dan membuat shading simple, maka masih akan ada 8 jam untuk menyelesaikan artwork kita. Tragisnya, dalam 8 jam tersebut seringkali progresnya sangat lambat dibanding 2 jam pertama. Menyedihkan ya? Kita bisa lihat contoh di bawah pada awalnya proses gambar relatif cepat dan akan melambat di pertengahan dan beberapa gambar terakhir dengan perbedaan yang halus dikerjakan dalam waktu yang lebih lama. Di titik mana kita harus berhenti ya? Ini dia masalahnya, ketika gambar kita mendekati selesai, kita akan merasa dorongan untuk segera menyelesaikan dan melihat hasil akhirnya. Justru, di sinilah kita sebenarnya memulai. Mungkin ada yang bilang “Saya akan berhenti di gambar ke-4 di atas”. Di sinilah apa yang dirasakan oleh artist profesional yang akan mencapai titik ke-12, bahwa mereka menilai bahwa proses yang lambat dan dengan detail yang terlihat beda tipis itulah yang memiliki kontribusi 80% pada hasil akhir. Solusinya cukup sederhana, jangan pernah berhenti ketika kita masih banyak menggunakan stroke berukuran besar kecuali speed painting. Stroke besar digunakan pada awal painting, pada 20% bagian proses. Gunakan stroke besar untuk bloking, mengatur area lighting, menambah area warna yang luas, dan mulailah pelan-pelan menggunakan stroke yang kecil dalam kanvas yang di-zoom in. Pada umumnya makin bnayak tempat area gambar kita bersentuhan dengan brush dan makin banyak kita merubahnya, seperti menambah beberapa detail kecerahan dengan stroke kecil, painting kita akan semakin terlihat halus. Hal yang bisa dipelajari dari hal ini adalah, karena 80% painting yang kita kerjakan tadi hanya berperan kecil pada hasil akhir, kita bisa melakukannya dengan lebih santai dan simpan energi kita untuk fase-fase akhir painting kita. Ingat “Tidak semua painting harus diselesaikan hanya karena kita telah memulainya”. Dengan menyingkirkan hal-hal yang tidak kita yakini, kita bisa menyimpan waktu kita yang telah terbuang. 5. Menggunakan terlalu banyak warna Artist tradisional tidak memiliki koleksi warna sebanyak digital. Mereka harus belajar bagaimana menciptakan warna sesuai keinginan mereka. Bagaimana mencampur agar mendapat efek yang diinginkan. Sepertinya ini sangat tidak nyaman, namun ini adalah sebuah anugrah karena mereka mau tidak mau harus belajar tentang teori warna. Kita sebagai artist digital pemula memiliki semua warna yang kita inginkan, dan ini menjadi seperti beban buat kita…. Kita tidak bisa memahami warna dengan perasaan. Kita memang tidak memerlukannya dalam kehidupan sehari-hari, namun kita sebaiknya mengubah cara pandang kita tentang hal ini. Kita tidak bisa mengandalkan intuisi kita karena bukan seperti itu cara memahami warna. Kita harus memahami konsep warna yang berhubungan dengan 4 hal penting ini Hue, Saturation, Brightness, and Value. Warna tidak bisa berdiri. Warna berdiri karena aspek-aspek lain. Sebagai contoh, jika kita menginginkan warna terang, atau menurunkan kecerahan warna dasar. Merah disebut warna hangat, menjadi dingin tergantung dari nuansa di sekitarnya. Bahkan saturasi warna juga bisa berubah karena aspek lain yang berhubungan. Bahkan derajat warna bisa berubah karena nuansa warna di sekitarnya. Hal ini sangat penting di dalam painting seperti halnya dalam dunia desain. Seorang pemula yang tidak memahami teori warna ini akan mengisi sketsnya dengan warna yang acak. Mereka memilih biru, kemudian menambahkan hijau, tanpa menyadari bahwa ada banyak warna kehijauan dan kebiruan yang sebenarnya bisa mereka pilih. Beginilah pemula melihat warna Blues Muddy blues Grays Blacks Tapi……mengapa banyak sekali gradasi? Apakah benar-benar bermanfaat? Jawabannya adalah TDAK. Yang perlu kita pahami adalah dari mana mereka berasal dan apa gunanya. Lihat bagaimana seorang profesional melihat pilihan warna Desaturated blues Saturated blues Bright blues Dark blues Rumit? Mungkin, tapi itu bukan alasan untuk mengabaikannya. Apabila terlalu membingungkan, cobalah painting grayscale. Grayscale membantu kita memahami tentang lighting, shading dan blending. Sill ini akan sangat berguna sekali di masa depan. Lebih jauh lagi, warna adalah “pemanis” bagi artwork kita. Artwork kita bisa jadi “manis” namun kita tidak bisa membangun artwork dari warna itu sendiri. Tidak ada berapapapun jumlah warna yang bisa membuat gambar kita bagus? 6. Picking warna langsung dari referensi. Sangat sulit untuk menahan godaan ini. Hal ini sangat dimengerti. Namun untuk mempelajari digital painting, kita harus mengerti dengan baik tool eyedropper yang digunakan untuk “meminjam” warna dari referensi. Mengapa sangat penting? Pemula bisanya menggunakan warna orange pucat atau pink untuk kulit. Sepertinya jelas, tetapi hasilnya jauh dari kesan alami. Walaupun kita menggunakan referensi, ceritanya akan berbeda, hampir setiap pixel memiliki gradasi yang berbeda, tidak hanya pink-kita bisa menemukan merah, kuning, oranye, keunguan, kehijauan dan biru. Saturasi dan kecerahan berubah tapi hasilnya sama sekali tidak seperti yang diinginkan. Ketika kita mengambil sampel warna, gambar kita seperti mendapatkan nyawa baru. Jangan sampai kita tidak belajar apapun dari proses ini. Pelajaran kita dapatkan adalah seperti halnya tracing, kita tidak bisa mengulang hal yang sama saat tracing, demikian juga saat kita picking warna yang keren dan kita tidak akan bisa mengulang prosesnya lagi. Prosesnya memang mengesankan, tapi kita tidak mendapatkan kredit dari hal itu. Ada satu hal penting lagi, picking warna bisa menghambat kemajuan kita. Seperti halnya kita “membeli” 1 set warna tanpa kita tahu bagaimana membuatnya. Sebenarnya kita telah memiliki color wheel dengan slider yang bisa kita gunakan dengan bebas untuk menciptakan warna kita sendiri. Agar kita bisa memiliki skill yang memadai untuk menciptakan sebuah warna yang sesuai, kita harus belajar melihat warna dengan baik. Lihatlah obyek di sekitar kita dengan cermat, bagaimana obyek itu memiliki hue, saturasi, kecerahan. Terus menerus menggunakan eyedropper akan menghambat proses belajar kita. Gambar di atas adalah studi dengan referensi tanpa menggunakan eyedropper. Bagi artist pemula disarankan memilih obyek sederhana pada awal-awal studi. 7. Menambahkan warna pada gambar grayscale tanpa value yang benar. Gambar di bawah dibuat dengan teknik grayscale dan diwarnai dengan mode blending Color, Multiply dan Overlay. Saat gambar ini dibuat timbul beberapa masalah saat menambahkan warna kuning di bagian yang terang Pada versi grayscalenya terlihat bahwa hijau dan kuning sama-sama gelap. Pada kenyataannya, secara natural cahaya tidak bekerja seperti ini. Sebagai pemula, banyak yang mempercayai bahwa semua warna memiliki kecerahan yang seragam, demikian juga bayangan memberikan efek gelap yang sama. Itulah kenapa teknik grayscale lebih nyaman karena kita bisa lebih fokus ke shading dan menambahkan warna belakangan. Sayangnya prosesnya tidak semudah itu dan perlu pemahaman yang lebih dalam lagi. Satu hal adalah warna memiliki tingkat kecerahan yang tidak tergantung pada adanya lighting. Saat kita mengabaikannya, mengakibatkan warna yang kita hasilkan menjadi kusam. Warna yang kita tambahkan pada gambar grayscale kita bukanlah bagian penting dari artwork itu sendiri. Kita lihat bahwa value lebih penting dari warna dari contoh di bawah ini Kedua gambar kepala mendapatkan warna yang sama dengan mode “colors”. Perhatikan bahwa value lebih penting dari pada warna itu sendiri. 8. Shading dengan Dodge dan Burn Tools Dodge dan Burn tool adalah alat yang sering digunakan oleh pemula. Kedua tool ini dipercayai sebagai bagian dari tool untuk painting. Kita hanya perlu warna dasar dan memilih area yang ingin kita beri shading. Sisanya akan diselesaikan oleh tool dan kita tidak akan berperan sama sekali…jadi kita bukanlah bagian dari proses tersebut. Tidak sepertiyang kita pikirkan, kedua tool tersebut hampir tidak berguna dalam painting. Sebagai pemula kita sebaiknya menghindarinya. Keduanya bukan “shading tool” Dodge tool bukan untuk menambah light dan burn tool bukan untuk menambah shadow. Walaupun hasilnya kadang memuaskan juga saat kita mulai digital painting. Permasalahan bukan pada tool tapi pada kesalahan dalam memahami shading itu sendiri. Sebagai pemula, obyek sering dianggap memiliki warna sama yang akan berubah makin gelap di bawah bayangan dan makin terang ketika terkena cahaya. Mungkin hal itu masih berlaku untuk gambar cell shading atau gambar kartun, walaupun begitu itu hanyalah jalan pintas mempercepat proses produksi artwork. Mengapa kita tidak bisa menggunakan 2 tool tadi? Teknik tersebut akan menghambat kemajuan kita. Shading adalah sebuah hal kompleks. Tidak terbatas oleh “membuat lebih terang dan membuat lebih gelap” Photoshop diciptakan untuk bekerja buat kita, bukan sebaliknya kita bekerja untuk photoshop. Teknik yang akan membuat obyek shading menjadi flat. Seberapapun banyaknya tekstur yang kita tambahkan akan sia-sia. Seperti cara kerja brush yang besar, kita tidak akan bisa menggunakannya untuk menyelesaikan artwork kita. Teknik ini akan mengacaukan warna itu sendiri. Warna seharusnya tergantung pada lingkungan sekitar cahaya langsung dan cahaya ambient, kedua tool tesebut akan memperlakukan semua obyek dengan sama. Contoh gambar di kiri menggunakan shading dengan dodge dan burn tool sementara di sebelah kanan menggunakan teknik pemahaman warna yang benar. Shading dengan hitam dan putih Teknik ini menggunakan hitam sebagai bayangan dan putih sebagai terang dalam shading. Hal ini berawal dari anggapan bahwa setiap warna berawal dari hitam sebagai warna tergelap dan putih sebagai warna paling terang. Anggapan ini mungkin benar, namun hanya berlaku pada foto yang mengalami over dan under exposure. Kita selalu mencari tips paling sederhana dan mudah diingat tentang gelap terang ini, yang paling mudah diingat. Warna lebih kompleks dari hal ini dan hanya akan berlaku pada gambar grayscale. Shading yang monoton dan tidak variatif Masalah berikut yang bisa terjadi saat membuat shading adalah berapa sebenarnya warna yang digunakan dalam shading. Contoh gambar di bawah, warna jingga sebagai warna gambar karakter, kuning sebagai warna terang dan biru sebagai warna gelap/bayangan. Sumber cahaya adalah warna kuning dan warna ambien adalah warna biru dari langit. Teknik ini membuat shading menjadi lebih menarik dibandingkan penggunaam hitam dan putih. Tapi apakah ini cukup? Hanya dengan menggunakan 3 warna, hasil yang kita dapatkan belum cukup natural. Seperti yang kita tahu, setiap benda memantulkan cahaya yang sulit diprediksi. cahaya memantul pada semua permukaan termasuk obyek 3D yang kita kerjakan. Warna langit yang terpantul bisa berubah menjadi kehijauan karena pengaruh warna rumput. Lihat gambar di bawah dengan shading yang variatif. Gunakan brush dengan stroke yang besar untuk membuat warna lebih mencampur. Gunakan stroke kecil untuk membuat kesan bertekstur. 9. Blending dengan Soft Brush Ada 2 metode yang dikenal saat memulai belajar digital painting, keduanya didesain untuk mendapatkan hasil yang cepat Blending dengan soft brush Blending dengan Smudge/Blur Tool Seperti yang kita ketahui, hasil yang cepat sebenarnya membuatnya tidak sepenuhnya terkontrol. Stroke yang besar membuat obyek menjadi flat dan tidak natural. Bahkan ketika ditambahkan tekstur tetap tidak akan membantu. Teknik seperti ini hanya bagus digunakan pada fase awal-awal painting. Jika kita menginginkan mendapatkan tekstur yang bagus dan natural, gunakan brush yang lebih solid dengan flow control Pen Pressure. Pilihan brush seperti ini membuat kita bisa mengontrol jumlah warna yang kita inginkan. Dengan atribut ini, kita bisa mencampur 2 warna menggunakan tekanan yang berbeda saat menggoreskan kuas. Jika kita ingin tekstur lebih smooth, gunakan pick color untuk meratakan warna di area perbatasan warna. Untuk tekstur yang lebih kuat, gunakan textured brush jika perlu. Blending di awal fase ini jangan terlalu menyita waktu kita, masih banyak waktu yang akan kita pakai pada proses berikutnya. Nanti ktia bisa menggunakan brush yang lebih kecil dan bertekstur untuk blending. Tidak perlu menggunakan smudge tool, soft brush, hanya menggunakan eyedropper dan hard brush dengan variable flow. Ingat, blending tergantung dari tekstur permukaan, sehingga kita tidak bisa menggunakan cara yang sama untuk semua material. 10. Menggunakan tekstur 2D untuk mendapatkan bentuk 3D Photo textures adalah cara paling ampuh membuat gambar terkesan keren yang sering digunakan saat mulai belajar painting. Ketika warna dan shading justru membuat obyek terlihat halus seperti plastik, photo textures mungkin bisa menolong, atau malah bisa membuatnya lebih buruk? Lihat contoh berikut. Obyek harus diberikan shading sebelum ditambahkan tekstur. Bagian paling sulit karena obyek kita tidak sepenuhnya dishading. Tekstur bisa kita dapatkan dari internet atau dari photoshop. Di bawah ini adalah contoh tekstur dari photoshop “inverted Screen Door”. Jika kita mengganti mode blend dengan overlay, kita akan melihat beberapa bagian menjadi lebih terang. Mungkin bisa membuat gambar lebih bagus ketika beberapa shading ikut berubah karena mode ini, tapi ini tidak sepenuhnya bisa kita kontrol. Walaupun overlay bukan mode blending terbaik, namun bisa menjadi panduan untuk melihat sejauh mana tekstur sesuai dengan keinginan kita. Pola tekstur harus sesuai dengan kontur obyek, karena itu kita perlu menyesuaikan konturnya dengan cara berikut Menggunakan Free Transform Tool Control-T pada Warp mode Filter > Liquify Edit > Puppet Warp Untuk bentuk bulat bisa menggunakan Filter > Distort > Spherize Sebelum menggunakan Puppet Warp Setelah menggunakan Puppet Warp Mode Overlay menaikkan kecerahan pada bagian yang tercover area putih. Kita bisa menggunakan multiply yang akan menghilangkan area putih pada tekstur namun akan membuat area grey lebih gelap dari yang kita inginkan. Untuk kita kita bisa mengatur transparansi dari blending yang kita butuhkan. Klik 2 kali pada layer dan muncul jendela sebagai berikut untuk mengatur transparansi. Tahan Alt untuk “memecah” slider dan mendapatkan opsi gradual effect tambahan. Di sini kita harus memahami apa tekstur itu sebenarnya. Tekstur adalah sebuah “pola kasar” pada permukaan obyek. Tekstur adalah kasar lembutnya sebuah permukaan. Apabila sinar mengenai permukaan, sinar itu akan memantul dengan beragam. Jika permukaan kasar, pantulan cahaya akan membentuk pola-pola tertentu, itulah tekstur yang kita lihat. Karena sinar menghasilkan tekstur, karena itu tidak akan tercipta tekstur tanpa lighting. Bagaimana dengan area bayangan yang tidak terkena sinar? Untuk itulah kita perlu mengurangi tekstur di area gelap apabila masih ada ambient light atau menghilangkan sama sekali pada area tanpa cahaya. Ingat, celah-celah tekstur sebenarnya bayangan, jadi jangan membuatnya lebih gelap dari area normal yang paling gelap. Memberikan tekstur dengan cepat dan mudah bisa kita lakukan jika kita mengerti apa yang perlu kita lakukan setelah memilihnya. Setiap tekstur tentunya berbeda, beberapa langsung terlihat bagus, dan beberapa harus dirapikan lagi. Seperti halnya dalam prinsip membuat painting yang dibahas di atas, menambahkan tekstur adalah hal yang mudah, namun untuk membuatnya keliatan keren memerlukan cukup waktu. Mungkin akan memakan banyak waktu, tapi akan memberikan hasil yang cukup berbeda. Bola pertama memiliki tekstur yang flat dengan mode Overlay dan opacity yang rendah, gambar kedua sama namun ditambahkan distorsi. Bandingkan dengan gambar ke-3 yang telah mendapatkan penyesuaian value dan blending. Kesimpulan Pada awal-awal mempelajari painting, masalah timbul dari dorongan untuk mendapatkan hasil bagus dengan sedikit usaha dan dalam waktu yang singkat. Hal ini bukan karena kurangnya skill, namun lebih karena pengetahuan tentang photoshop sebagai media pembuat artwork. Hal tersebut akan membuat artist mencari tools dan trik dan bukannya fokus pada pemecahan masalah yang dihadapi. Kita tidak bisa jadi digital artist suatu hari nanti, hanya bermodal sebuah software grafis. Photoshop hanyalah sebuah alat dengan brush dan warna, dan sangat luar biasa fungsinya. Photoshop hanya akan menghasilkan sesuatu yang kita kuasai. Jika kita ingin membuat sesuatu yang keren dengan photoshop, perlakukan seperti kita menggunakan kanvas digital dengan warna digital. Lupakan tentang tool-tool menggoda seperti filter, brush atau blend mode. Paintinglah seperti kita melakukannya di atas kanvas tradisional. Pelajari teori warna, perspektif, anatomi – semua yang wajib dipelajari oleh “artist normal”. Dengan berjalannya waktu kita akan memahami bagaimana menggunakan tool dalam photoshop untuk mengerjakan semua tugas itu dengan lebih mudah dan cepat – tapi jangan sampai salah jalan dengan mengejar efek yang luar biasa tanpa disertai pemahaman yang baik. Apa yang telah ditulis di sini menitikberatkan pada perkembangan skill tanpa perlu ketergantungan pada solusi yang ditawarkan oleh tool digital. Kesabaran dalam proses adalah kunci utama. Sumber